¿Cómo se puede acercar la música clásica a los niños?

El colectivo CDZA vuelve a sorprender con sus originales propuestas sonoras. En esta combinan la música clásica con las letras pop más actuales. No sabemos si a Mozart le gustaría compartir su sinfonía con LMFAO (‘Partu Rock’), pero lo cierto es que la mezcla resulta divertida para los más pequeños. En este particular ‘mezcladillo’ también comparten melodía Offenbach con Lady Gaga (‘Bad Romance‘), Beethoven con Adele (‘Rolling in the Deep‘), Grieg Peer Gynt con Carly Rae Jepsen (‘Call me maybe’), Beethoven con Kate Perry (‘Wide Awake’), Tchaikovsky con One Direction (‘What makes you beautiful‘), Haydn con Justin Beiber (‘Baby’) y el compositor de bandas sonoras John Williams con Psy (‘Gangnam Style‘).


 

Cancelan un concierto de Aute en Altea al venderse sólo 70 de 890 butacas

La decisión de la suspensión es objeto de polémica ya que la firma Búho Management afirma que ha sido adoptada unilateralmente por el Ayuntamiento alicantino.

Un concierto del cantautor LuisEduardo Aute inicialmente previsto para mañana en el Palau de Altea ha sido cancelado después de que solamente se vendieran 70 de las 890 localidades puestas a la venta. La decisión de la suspensión es objeto de polémica ya que la firma Búho Management, que representa al artista, afirma que ha sido adoptada unilateralmente por el ayuntamiento alicantino, del que depende el Palau, mientras que éste último lo atribuye a una empresa intermediaria, la murciana Oí Producciones, que trabaja en la zona para Búho Management.
La concejal de Cultura de Altea, Marga Riera, que, a causa de la actual crisis económica, el concierto de Aute ha sido organizado por el denominado modelo “a taquilla”, que consiste en que la empresa promotora asume todos los gastos de la actuación sin coste alguno para las arcas municipales y, a cambio, se embolsa íntegramente el dinero por la venta de localidades.
Sin embargo, ha añadido que hasta el momento se habían vendido únicamente 70 de las 890 localidades disponibles a un precio de 26 euros, lo que suma 1.820 euros. Según Riera, “Oí Producciones” les comunicó la pasada semana que querían cancelar el concierto porque, al parecer, no llegaban a cubrir los gastos. “Nosotros no hemos suspendido nada puesto que es la empresa intermediaria quien comunica al ayuntamiento que quiere suspender el concierto”, ha incidido la concejal.
Por su parte, fuentes de Búho Mana han confirmado a EFE que para la actuación en Altea les representaba “Oí Producciones” aunque, en todo caso, han asegurado que ni ellos ni la intermediaria son los responsables de la cancelación.  En un comunicado, Búho comunica que ha puesto este asunto en manos de sus servicios jurídicos para estudiar “cómo proceder” y lamenta “profunamente el desconcierto y las molestias que haya podido originar al público todo este asunto” en un asunto en el que reiteran que son “totalmente ajenos”.
Asimismo, un responsable de “Oí Producciones”, Manuel Robles, ha manifestado hace unos días había trasladado al ayuntamiento que estudiaban la posibilidad de la cancelación por la “demora en la venta de entradas”, aunque no habían llegado a tomar ninguna decisión.
Por ello, Robles cree que ha podido haber “precipitación” por parte de la concejal de Cultura al tomar una determinación “sin el consenso con la otra parte”. En todo caso, a las 70 personas que habían comprado una entrada se les devolverá el importe por el mismo canal por el que la adquirieron.

Interpretan obra inédita de Mozart

Más de dos siglos después de su muerte el legado de Wolfgang Amadeus Mozart sigue creciendo. El último añadido es un Allegro molto para piano compuesto por el genio a los once años e interpretado ayer en Salzburgo, la ciudad que lo vio nacer y de la que se marchó para crecer como artista.
La composición de 84 compases y apenas unos tres minutos fue descubierta a principios de marzo en un golpe de suerte por la musicóloga Hildegard Herrmann-Schneider en un desván en el Tirol, incluida en un libro de partituras, cuando investigaba para documentar fuentes musicales antiguas de la región.
“Tenemos muchas obras de sus años infantiles y también sonatas más elaboradas de su adolescencia. Por eso, esta partitura es particularmente importante, porque supone un punto de unión entre sus primeros años y la adolescencia”, explicó  el director del Mozarteum, Ulrich Leisinger.
El primer concierto para piano (IK175) del niño prodigio data de 1773, por lo que la pieza encontrada demuestra “un alto nivel técnico para alguien tan joven”, según Leisinger, lo que no es una sorpresa si se conoce la trayectoria del genio.
Los expertos sitúan la fecha de composición de esta pieza en 1767, y la transcribió un joven estudiante de música identificado como Johannes Reiserer alrededor de 1780 en un libro de partituras con el que ensayaba.

Maratón con las 32 sonatas para piano de Beethoven

El pianista canadiense Stewart Goodyear se propone interpretarlas en Toronto, durante trece horas y media.

Interpretar seguidas las 32 sonatas para piano de Beethoven en su orden cronológico es una tarea titánica, que sólo se ha realizado fragmentando su ejecución durante varias semanas o varias temporadas. El pianista canadiense Stewart Goodyear planea ofrecer el famoso ciclo en un solo día, el próximo 9 de junio, en el Koerner Hall de Toronto, con el apoyo del Royal Conservatory y el Luminato Festival. Goodyear, que se describe a sí mismo como un “orgulloso adicto” a la música de Beethoven, ha explicado que la jornada comenzará sobre las 10 y se extenderá hasta las 23:30 horas, realizando pausas para el almuerzo y la cena.
El objetivo es interpretar las obras en el orden cronológico real en el que fueron escritas, y por ello comenzará con las del Op. 49, que Beethoven escribió antes que las del Op. 2 pero fueron publicadas después. “Y por supuesto pienso dar propinas”, ha declarado Goodyear. El pianista, de 34 años, tuvo la idea de realizar esta maratoniana sesión después de interpretar un recital de sonatas escogidas también en el Koerner Hall. “Sentí que no podía parar de tocar Beethoven, que tenía que tocar todas las demás sonatas” ha declarado Goodyear. A veces comparadas con el Nuevo Testamento del piano (el Antiguo lo constituirían los 48 preludios y fugas del Clave bien Temperadode Bach), las 32 sonatas para piano de Beethoven se encuentran entre las más admiradas partituras de la literatura pianística, y en concreto la Sonata Op. 106, “Hammerklavier” está considerada como una de las más grandes obras para piano solo.
Goodyear no estará solo en el escenario, le acompañará una artista de “perfomance” de Indonesia, Melati Suryodarmo, para proveer de un contrapunto visual a la maratón, “basado en la vida de Beethoven y en un examen de los aspectos psicológicos de la composición de sus sonatas”.
El pianista continuará reforzando su “adicción” a Beethoven en el Festival de Lanaudière en julio interpretando las siete sonatas comprendidas entre el Op. 53  y el Op. 90 por la tarde, y la Fantasía coral para piano y orquesta esa misma noche. También participará en el concierto inaugural del festival veraniego Music Niagara, en Niagara-on-the-Lake, con una inusual adaptación para piano y cuerda del Concierto para piano nº 5, “Emperador”.

Violinista virtuoso

San José de Costa Rica, 16/03/2012. Teatro Nacional. Philippe Quint, violín (Antonio Stradivarius, Cremona, 1708). Orquesta Sinfónica Nacional (OSN). Director invitado: Nan-se Gum. Ho-jun Lee, Unificación de amigos. Ástor Piazzolla, Las cuatro estaciones porteñas. Antonin Dvorák, Sinfonía N° 6, en re mayor, opus 60. Concierto de inauguración de la temporada oficial 2012.

Celebrada este año en el marco del Festival Internacional de las Artes (FIA 2012), la apertura el viernes 16, en el Teatro Nacional (TN), de la temporada oficial de la Orquesta Sinfónica Nacional (OSN), estuvo engalanada por la prodigiosa interpretación, de parte del violinista ruso-estadounidense Philippe Quint, de Las cuatro estaciones porteñas, del argentino Ástor Piazzolla (1921-1992).
La emblemática obra de Piazzolla se escuchaba por vez primera en el país en la versión para violín solo y orquesta de cuerdas arreglada por el compositor y director de orquesta ruso Leonid Desyatnikov.
La circunstancia de que Corea del Sur fuera el invitado especial del FIA propició que la inauguración de la temporada estuviera a cargo del director surcoreano Nan-se Gum y que en el programa figurara el estreno nacional de Unificación de amigos, pieza para ensamble de cuerdas del compositor surcoreano Ho-jun Lee.
El programa del concierto de apertura se completó con la Sinfonía N° 6, en re mayor, opus 60, del compositor checo Antonin Dvorák (1841-1904).
Piazzolla
El inimitable músico argentino compuso Las cuatro estaciones porteñas entre 1965 y 1970, en semejanza a Las cuatro estaciones, de Antonio Vivaldi, una serie de cuatro conciertos para violín, orquesta de cuerdas y clave, pero, a diferencia de las alusiones a la naturaleza en la obra del compositor barroco italiano, el argentino pincela impresiones del cambiante entorno netamente urbano, a lo largo del ciclo temporal, de su Buenos Aires querido.
En su inconfundible estilo de tango nuevo, Piazzolla escribió Las cuatro estaciones porteñas para su propio quinteto, formado por violín, piano, bandoneón, guitarra eléctrica y contrabajo.
A fines de la década de 1990 (no en el 2009, como erróneamente se indica en el programa de mano), Leonid Desiatnikov acercó la obra del argentino al modelo de Vivaldi, arreglándola para violín solo y conjunto de cuerdas.
Junto a la difícil reelaboración del acompañamiento de las cuerdas y la escritura virtuosística para el violín solo, Desyatnikov reestructuró en tres partes los movimientos únicos de Las cuatro estaciones porteñas, e hilvanó de manera ingeniosa referencias a la obra de Vivaldi en la urdimbre de su arreglo. Por ejemplo, en Verano porteño cita elInvierno de Vivaldi, para acatar la inversión de las estaciones según los hemisferios boreal y austral.

Momento del concierto

Interpretación
En su primera presentación en el país, Philippe Quint forjó una ejecución portentosa como solista en el violín, distinguida mediante una pericia técnica deslumbrante, la entonación impecable y los timbres traslúcidos que obtuvo del instrumento, un apreciable Stradivarius, conocido como El rubí.
Asimismo, el acompañamiento de las cuerdas de la OSN se distinguió mediante la destreza instrumental y el sonido terso y fulgente, y la dirección meticulosa de Nan-se Gum mantuvo al solista y al conjunto en unión estrecha. Álvaro González, violonchelo principal, se destacó en un breve solo.
Philippe Quint recibió una ovación estruendosa y prolongada de los oyentes y complació, fuera de programa, con un brillante Capricho de su autoría.
Demás obras
El concierto de apertura se inició con Unificación de amigos. Las dos breves secciones de la pieza de Ho-jun Lee, compuesta para la celebración del Foro Asiático 2009, contrastan quietud y movimiento e incorporan sendas canciones representativas de Corea, Japón y China.
La obra demuestra una escritura ágil para las cuerdas y logra hermosos efectos de timbre e instrumentación, realizados con primor por el conjunto bajo la precisa conducción del maestro Gum.
Pasado el intermedio, el director y la OSN completa moldearon una lectura competente de la Sexta de Antonín Dvorák, que data de de 1880, composición que se oye con menor frecuencia y no alcanza la inspiración de la SéptimaOctava y Novena, obras maestras que culminan la producción sinfónica del gran músico bohemio.
En ocasiones noté cierta falta de equilibrio entre las secciones, con preponderancia de metales estridentes, quizá ocasionada debido a la mayor proyección sonora favorecida por los arreglos hechos últimamente a la concha acústica del Teatro Nacional.
Al concluir la obra, el público premió al maestro Nan-se Gum y la Orquesta Sinfónica Nacional con largos y entusiastas aplausos.

Hilos de araña para hacer cuerdas de violín

Un investigador japonés, Shigeyoshi Osaki, vinculado a la Facultad de Medicina de la Universidad de Nara (Japón), ha fabricado cuerdas de violín juntando entre 3.000 y 5.000 hilos de araña para cada una.
El Dr. Osaki lleva años trabajando sobre las propiedades de los hilos que tejen las arañas y sus aplicaciones prácticas, ya que se trata de un material sumamente resistente. Para ello utiliza más de 300 arañas hembra en su laboratorio, de la variedad Nephila maculata.
En el caso de las cuerdas de violín, las realizadas con hilos de araña aguantan mucha más tensión que las habituales de nilon y aluminio. Pero más importante aún: según los violinistas profesionles consultados, el sonido que producen estas novedosas cuerdas es de gran calidad, suave y profundo, aunque distinto al de las cuerdas habituales, y algunos han declarado que es preferible al convencional.
No puedo menos de recordar cuando hace algunos años Jordi Savall anunció que estaba usando cuerdas de tripa de cachorro de león para alguno de sus instrumentos [leer artículoen Mundoclasico.com]. Personalmente, y ya puestos a elegir, creo que me convencen más los hilos de araña, ya que no exigen matar al animalito, sino al contrario, cuidarlo bien para que construya muchas telas nuevas. Y -seamos sinceros- las arañas no provocan tanta ternura como los cachorritos de león.

La musica stimola il cervello e può costituire un “vantaggio evolutivo”

 
La musica, quell’armonia particolare dalle infinite combinazioni, è un piacere di cui non possiamo fare a meno e che spesso diamo per scontato. Nessuno ha mai notato quanto sia presente nelle nostre vite? Entra nel profondo, scatena emozioni e ricordi, insomma ci fa bene , e non per modo di dire :infatti è continuamente oggetto di studio e di ricerca, e i risultati di tale interesse son estremamente positivi. E’ stato infatti assodato che sia ascoltarla che suonarla stimola diverse zone del cervello : anzi, si può perfino affermare con certezza che costituisca un “vantaggio evolutivo”.
Uno studio di Peter Janata ha evidenziato come le canzoni siano efficaci nell’attivare la corteccia mediale, responsabile del recupero dei ricordi della memoria autobiografica; lo stimolo diventa più intenso con le canzoni malinconiche. L’ascoltare una canzone estremamente potente e significativa per noi, che ci scatena “la pelle d’oca che ci viene quando ascoltiamo “ per esempio “il tema di Titanic ‘My Heart Will Go On’ di Celine Dion provoca una reazione del sistema autonomo collegata al coinvolgimento del circuito neutrale dopaminergico del piacere (per la precisione, il nucleo accumbes e l’area tegmentale centrale) lo stesso che viene attivato anche dal rapporto sessuale o dall’assunzione di cocaina “ spiega Elvira Brattico, neuroscienzata all’università di Helsinki.
Questo discorso vale per la musica in generale, ma sappiamo bene che esistono diversi generi, e che ognuno di noi ha i propri gusti musicali che variano nel corso del tempo, influenzati da eventi che segnano la nostra vita, dalle persone che frequentiamo, dalla nostra personalità e via discorrendo. Riguardo a questo proposito “ è stato dimostrato che per esempio chi desidera soprattutto nuove esperienze tende ad amare generi come il jazz o l’heavy metal, gli estroversi invece si orientano sul pop commerciale – spiega Elvira Brattico – la lirica presenta maggiori complessità armoniche rispetto al pop e quindi può essere apprezzata maggiormente da ascoltatori con più solida esperienza musicale. L’heavy metal o ancor più il death metal ( o anche free jazz e la musica classica contemporanea ) utilizzano invece molte dissonanze che sono oggettivamente ‘ spiacevoli’ “, ma che comunque piacciono molto poiché fungono da elementi distintivi.
Alla fine dei conti qualunque sia il genere, la musica allena l’emotività e ci rende più creativi; questo piacere , “ questo desiderio, si può far risalire a più di quarantamila anni fa : l’età del primo flauto rinvenuto nella caverna di Divje Babe ( Slovenia ) . Da allora la musica, rassicurandoci e offrendoci nuove prospettive, è stata senz’altro per noi un vantaggio evolutivo “ conclude la neuroscienziata.
E se invece di limitarci a ascoltare semplicemente, si crea musica suonando uno strumento?
Ovviamente ci sono dei grossi vantaggi nel suonare costantemente un qualunque tipo di strumento; anche in questo caso studi scientifici dimostrano che il dedicarsi allo studio della musica rallenterebbe il declino uditivo tipico della vecchiaia e migliorerebbe di gran lunga la memoria. Lo afferma uno studio della Nortwestern University, pubblicato sulla rivista “ Neurobiology of Aging “ : i ricercatori d’oltreoceano sono giunti a queste conclusioni misurando le risposte cerebrali ad alcune tipologie di suoni di un ‘ottantina di musicisti giovani e meno giovani, e di coetanei non musicisti, dando quest’incredibile risultato : “ i musicisti più anziani non solo hanno avuto prestazioni migliori dei loro coetanei non dediti alla musica, ma si sono rivelati capaci di codificare lo stimolo sonoro altrettanto velocemente e accuratamente dei giovani musicisti “ riferisce la neuroscienziata Nina Kraus, che ha coordinato lo studio “ i nuovi dati – a detta di un esperto in materia, Don Caspary della Southen Illinois University – supportando l’idea che il cervello possa essere allenato a superare, in parte, la perdita uditiva legata all’invecchiamento. Queste nuove osservazioni, insieme ad alcuni dati recenti raccolti negli animali, suggeriscono fortemente che un allenamento intensivo anche in tarda età possa migliorare la capacità di decodificare i discorsi da parte degli anziani, e di conseguenza la loro capacità di comunicare in ambienti complessi e rumorosi “. Tuttavia questa non è proprio una grossa novità : sempre la neuroscienziata Kraus in studi precedenti afferma che l’allenamento musicale possa contribuire anche sul fronte della memoria, un altro aspetto problematico dell’invecchiamento. Insomma, un rapporto lungo e intenso con la musica sarebbe capace di mitigare i cambiamenti legati all’età nel cervello dei musicisti. In altre parole nel musicista di lunga data l’udito si adatterebbe all’universo dei suoni, sviluppando una maggiore resistenza al decadimento fisico , rispetto a quanto invece accade in chi ha avuto pochi o sporadici approcci con la musica.
Insomma la musica è estremamente salutare, e un ottimo stimolante. Che altro potrei aggiungere a queste notizie così positive e piacevoli per noi giovani spesso accusati di “rimbambirci” con le cuffie?
Source: Studionews24
 

Hoy se cumple el 220º aniversario del nacimiento del gran compositor de óperas Gioachino Rossini

Nació en Pésaro, Italia, el 29 de febrero de 1792 (año bisiesto) y falleció en París, Francia, el 13 de noviembre de 1868. Fue un compositor italiano, conocido especialmente por sus óperas, particularmente por las bufas, pero con numerosas y determinantes aportaciones al mundo de la ópera seria.

Todo ello le hizo asumir el “trono” de la ópera italiana en la estética del bel canto de principios del siglo XIX, género que realza la belleza de la línea melódica vocal sin descuidar los demás aspectos musicales.

Rossini nació en Pésaro, hijo de Giuseppe, apodado “El vivaz”, cornista de oficio, y de Anna Guidarini, cantante en los teatros locales. Tocando en la banda municipal a los seis años, Rossini mostró un extraordinario genio musical desde la más temprana edad y estudió música con su padre. Aprendió a tocar la espineta con el vinatero Giuseppe Prinetti; posteriormente estudió con el canónigo Giuseppe Malerbi, en cuya biblioteca leyó las partituras de grandes compositores del pasado. En Bolonia tuvo por primer profesor aAngelo Tesei e ingresó en el prestigioso liceo musical, bajo la tutela del sacerdoteStanislao Mattei, y ganó un premio por una cantata que compuso a los dieciséis años de edad.

Como clavecinista acompañante en teatros, Rossini fue llamado para componer una ópera breve en 1810 y, dado el éxito que logró, siguió componiendo, particularmente en Veneciay en Milán, con éxitos sonados en la mayor parte de los casos (su séptima ópera conquistó La Scala con cincuenta y tres funciones iniciales) y repentinos fracasos, pero afianzándose como el primer compositor de su tiempo, a pesar de no contar siquiera veinticinco años de edad. En esos momentos, Rossini llevó a la perfección musical el género bufo. Tuvo la ventaja de contar, ya en esta primera etapa, con grandes cantantes, en quienes pensaba al momento de desarrollar la melodía de los personajes, considerando las posibilidades de sus voces. Algunos de ellos eran Marietta Marcolini, Filipo Galli y Paolo Rosich.

En 1815 fue contratado por el sagaz empresario Domenico Barbaia para componer en Nápoles para los teatros que administraba él con subvención gubernamental, el Teatro de San Carlos y el Teatro Del Fondo, en donde produjo óperas serias de inmenso valor para las voces más imponentes puesto que en la compañía de Barbaia se encontraban las más grandes luminarias del tiempo como Manuel García,Isabella Colbran (quien sería luego esposa de Rossini), Giovanni Rubini y otros. Mientras tanto, Rossini también recorre Italia, y creó óperas de todos los géneros (serio, semiserio, bufo), cuya influencia fue absoluta para todos los compositores posteriores y aun contemporáneos, y representó las ya creadas, que contenían melodías que se convertían en hitos inmediatos y permanentes.

En 1816 estrenó, en el Teatro Argentina de Roma y con argumento de Cesare Sterbini, una de las más famosas obras del repertorio operístico: El barbero de Sevilla. Basada en la trilogía literaria del barón francés Pierre-Augustin de Beaumarchais, cuya segunda parte, Las bodas de Fígaro, fue musicalizada por W. A. Mozart, fue durante sus primeras representaciones un fracaso. Posteriormente, Giuseppe Verdi y otros compositores la alabarían efusivamente, y alcanzaría una inmensa fama. Previamente puesta en música por el respetado compositor napolitano Giovanni Paisiello, el Barbero, como muchas otras óperas de Rossini, borró del cartel permanentemente las obras de grandes compositores como Nicola Antonio Zingarelli, Saverio Mercadante, Simon Mayr, Ferdinando Paër, Mosca, Carlo Coccia y el propio Paisiello.

En 1823 presentó su última ópera en Italia, Semíramis, y se trasladó a Francia (desde donde viajaría en 1824 a Londres en una exitosa gira que le produjo reconocimientos extraordinarios y jugosos estipendios); en París compuso una ópera que celebraba la coronación de Carlos X de Francia, y también su última ópera bufa, además de reelaborar otras dos obras italianas, y en 1829 Guillermo Tell, que supuso su definitiva consagración.

Curiosamente, ésta sería su última ópera, aun cuando le quedaban cuatro decenas de años de vida por delante. Sigue siendo un misterio por qué dejó Rossini de componer óperas trasGuillermo Tell; son muchas las teorías que tratan de dar respuesta a este interrogante, desde el hastío hasta la falta de necesidad, dada la riqueza que ya había acumulado, pasando por abundantes dificultades de salud (gonorrea y ciclos maníaco-depresivos), o quizá porque las circunstancias políticas así lo determinaron. Sin embargo, aunque no volvió a componer otra ópera, no abandonó el mundo musical, y se hizo cargo de la dirección del Théâtre-Italien y delLiceo de Bolonia y siguió componiendo muchísimas obras breves (sin dejar a un lado su otra gran pasión, la gastronomía), así como varias obras religiosas y profanas notabilísimas.

Había contraído nupcias con la cantante española Isabella Colbran en Castenaso, en 1822, pero se separaron legalmente en 1837, y entonces él se fue a vivir con Olympe Pélissier, con quien se casó en 1846, una vez que murió Isabella en 1845. Durante su vida, Rossini recibió las condecoraciones más importantes de Francia e Italia y un gran reconocimiento por parte de sus colegas de profesión; así, tras la entrevista que Rossini y Richard Wagner tuvieron en 1860, el último declaró que, de todos los compositores que había conocido en París, el único verdaderamente grande era Rossini, a quien veía muy serio y sencillo, pero mal comprendido por el público.

Rossini falleció en Passy, cerca de París, en 1868. Mientras miles de voces entonaban la plegaria de suMoisés, fue enterrado en el parisino Cementerio del Père-Lachaise. Sus restos fueron trasladados en 1887 a Florencia, donde descansa en la Basílica de la Santa Croce, junto a otras glorias de Italia: Galileo Galilei, Dante y Miguel Ángel. Dejó un legado monetario realmente considerable, del que destinó fondos para la creación de un asilo para músicos retirados (existente aún hoy) y otras obras de beneficencia. Había sobrevivido a muchos de sus sucesores en el trono de la ópera italiana (Vincenzo Bellini, Gaetano Donizetti, Giacomo Meyerbeer), al tiempo que coincidió con la aparición de Giuseppe Verdi y de Richard Wagner.

Giuseppe Verdi convocó a los mejores compositores italianos a componer una misa de Réquiem en honor del Cisne de Pésaro (forma poética con la que se denomina a Rossini). Dadas las circunstancias políticas adversas, no se estrenó esa obra y Verdi usó su contribución, el Líbera me, en su propio Requiem, dedicado a Alessandro Manzoni. El director Helmuth Rilling ha exhumado y grabado la obra en la actualidad.

Nicoló Paganini, Frederic Chopin, Mauro Giuliani, Louis Niedermayer, Ottorino Respighi y otros renombrados compositores han creado variaciones, orquestaciones y adaptaciones de múltiples obras rossinianas. Y los afamados tournedos Rossini, así como muchos otros platos de cocina, son designados en honor al célebre compositor, que era un consumado gastrónomo.

Ejemplos audio:

Guillermo Tell: “No mi lasciare… O muto”

El Barbero de Sevilla: “Obertura”

Anthony Hopkins lanzará un disco de música clásica con obras compuestas por él

El genial actor Anthony Hopkins lanzará un disco de música clásica, mostrándonos su faceta como compositor.

La obra, que saldrá a la venta el 16 de enero en Inglaterra, contendrá nueve piezas, que han sido compuestas por él mismo a lo largo de su vida.

La grabación del disco tuvo lugar el pasado verano, cuando la Orquesta Sinfónica Ciudad de Birmingham (CBSO) interpretó la música de Hopkins en el escenario del Birmingham Symphony Hall.

El actor ya había mostrado su labor como músico al realizar las bandas sonoras de dos de sus trabajos, “August” (1996) y “Slipstream” (2007), algunos de cuyos temas volverán a editarse en el nuevo disco.

“Soñé durante años que las ideas y las melodías que garabateaba en papeles acababan convertidas en trabajos que podía interpretar una orquesta, y ver ese deseo convertido en realidad es algo que me encanta”, dijo Hopkins en un comunicado de la cadena de radio británica Classic FM, la cuál será la encargada de editar el disco.

Anthony recibió clases de piano cuando tenía 6 años, y aprendió algunas reglas básicas de orquestación de enciclopedias musicales que atesoraba su padre.

Este mismo año, Hopkins ya vio cómo el violinista y director de orquesta holandés André Rieu incluía en su último trabajo una de las piezas que ha compuesto, “And the waltz goes on” (“Y el vals sigue adelante”).

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Nokia busca renovar su tono más famoso, un pequeño fragmento del Gran Vals de Francisco Tárrega

El sonidillo que suena cuando estamos dormidos y nos despertamos sobresaltados por una llamada en mal momento o para simplemente levantarnos de la cama, quizá sepáis que el autor de ese tono no es otro que el gran genio español Francisco Tárrega, este hombre, un gran compositor valenciano que murió en 1909. Ese tono (que no está inventado por Nokia ni muchísimo menos) es un pequeño fragmento del Gran Vals para guitarra que un día la compañía de teléfonos finlandesa convirtió en el sonido por defecto de sus terminales en el año 1994. Nokia dice que ese trocito suena unas 1000 millones de veces al día a unas 20 mil veces por segundo. Esto sí que es un éxito musical… y encima lleva en la cima casi 20 años… como para darle un disco de uranio de esos que tiene Raphael.. no?